2018 - Macallè Blues

Rowdy, come da lecite attese, propone un sound di antica ascendenza, che è sapiente miscela di rock’n’roll, rockabilly, surf music, swing, country e lounge, ma col profilo perfettamente arrotondato dalla modernità delle potenzialità tecniche degli studi di registrazione attuali. Indomito susseguirsi di virtuosismi e raffinatezze, Rowdy rende impossibile l’ascolto comodamente appollaiati sul divano di casa e, malgrado la netta prevalenza di brani inediti, sempre di ottima fattura anche nei testi, l’apice delle palpitazioni sopraggiunge quasi subito, con l’ascolto di una delle sole due cover presenti: Smoke On The Water (sì...quella lì dei Deep Purple!!) qui servita come variegato al surf, country e R&B, spinto al limite dal pompaggio aggiuntivo di una sorprendente ed efficacissima sezione fiati.

Chi si aspetta gli abituali, virtuosistici chitarrismi con groove, dovrà ricredersi. Di quelli, resta soltanto - e non è certo poca cosa - l’eleganza diffusa perché il focus di Ford si è orientato, qui, molto sulla produzione, sugli arrangiamenti, sul movimento delle parti e sul sound generale tanto che, forse per la prima volta, la chitarra passa quasi in secondo piano acquisendo il carattere di uno strumento tra gli altri; un colore, talvolta nemmeno il più acceso, sulla tavolozza del pittore che concorre a definire il carattere cromatico finale del quadro. E poi, l’enfasi inedita sul songwriting, sulla poetica delle canzoni, mai scritte prima con la medesima, anche introspettiva, attenzione.

Con Voodoo In The Shadows l’ambasciatrice australiana del blues, Fiona Boyes, continua a dedicarsi, qui con ben marcati accenti e più ampia prevalenza che in passato, alla musica e ai suoni del sud degli Stati Uniti, Mississippi e Louisiana in testa, dando alle stampe quello che suona tanto come un masterpiece.

Terre profonde e misteriose, queste del sud, le cui sonorità, malgrado talvolta possano apparire radiose, come in Party At Red’s, rispecchiano appieno la propria impenetrabile, profonda natura. E di questo, la Boyes si fa capacissima interprete, tanto nelle musiche, quanto nei testi - tutti autografi meno uno - che tradiscono un amore e una conoscenza per le tradizioni sonore locali davvero unici. Già l’iniziale, oscura Call Their Name, nella sua fascinosa veste minimale con la sola tipica chitarra baritono suonata slide e un tamburello rievoca, nel sound, il fangoso delta del Mississippi e, nelle atmosfere, le ombre e il voodoo della Louisiana. Altri episodi, invece, odorano dei clubs di Clarksdale o di Jackson dove leggenda narra che ci si venda l’anima al sol varcarne la soglia. Accidentalmente, con I Ain’t Fooling, per esempio, Fiona torna, per un attimo, tra le strade di una Chicago comunque riconoscibile, malgrado l’utilizzo dalla cigar box guitar a mascherarne il profilo sonoro, quando addirittura non sorprende con le cadenze latine della sensuale Dark And Dangerous Love.

Ben quattro sono le armi poco convenzionali con le quali questo disco vince su tutta la linea: testi diretti ed efficaci, arditi e originali arrangiamenti, l’improvviso jolly rappresentato dal talentuoso multistrumentista Tim Neal (basso, Hammond e sax) e, dopo il jolly, la provvidenziale presenza di un asso come Jumpin’ Johnny Sansone che, con la sua armonica e, soprattutto, il suo accordion (in Don’t Leave Your Feet At Home, per dire) aggiunge un pizzico di autentico cajun e varie salse della Louisiana al piatto.

Tumultuosa e magmatica figlia putativa di Hubert Sumlin, per fantasia e stile, e Ry Cooder per l’uso della slide, con Voodoo In The Shadows Fiona Boyes dimostra di essersi fatta punto di incontro tra il mondo reale e quello degli spiriti che hanno abitato e ancora abitano le antiche terre ben sotto la Mason-Dixon Line. G.R.

Proverbialmente, si è soliti dire che non s’ha da cambiare squadra che vince. E infatti, la Vincitore, fedele all'antico motto di saggezza, si ripresenta in questo nuovo set con la pressoché medesima (e vincente) band del primo disco, produttori compresi. E anche qui, viene sostanzialmente confermata la versatile formula che vede la nostra svolazzar di fiore in fiore, suggendo pollini di pop-rock, blues, soul, funk. La sua vocalità agile e castana, dai margini lievemente sfilacciati, si libera spesso in vibranti voli in alta quota. La versatile  natura, passionalmente profonda, trova comoda dimora tanto negli episodi più movimentati e funky come Need A Little Help, quanto nei contesti più spogli e rarefatti: Everything Hurts, per esempio, dove la scena, disadorna e intimista, è interamente delimitata dai tratti vaudevilliani di piano e chitarra o ancora nella seducente ballad It Is What It Is.

Scoperti da Mick Kolassa, il loro esordio Tangled già aveva impressionato per le capacità tecniche dei due. L’inventiva, affilata chitarra di Cole, il basso rigoroso, dalla legnosità funk, e la voce da diabolico angelo di Logan già allora avevano convinto. Mancava giusto quel quid di maturità e nitore d’intenti che, con questo disco, puntuali, sono arrivati. L’aggiunta al trio base (che è completato da Nick Davidson alla batteria) di Hamed Barbarji alla tromba e occasionale flicorno consente davvero ai fratellini di fare il botto. Questi due strumenti, in timbrico contrasto con la modernità del contesto, donano un feel piacevolmente retrò. Soprattutto la tromba, quando si manifesta con quella qual certa coloritura da cornetta. L’agilità e l’estro con cui vengono suonati e la particolare perizia con cui Barbarji li cala nella tessitura dei singoli brani, nel dinamico gioco di domanda e risposta, li pone in rapporto di estrema e fluida dialettica, in continuo controcanto con la chitarra. Elemento di novità e frattura nell’insieme, Barbarji, nei brani più moderni e avventurosi, asseconda la linea con un vivace taglio jazz; quando, invece, l’ambientazione blues prevale, ecco che spunta la tromba laddove ci si aspetterebbe un’armonica.

Autrice della quasi totalità dei brani, già con l’iniziale Bad Mojo dimostra tutta l’effervescenza del suo arguto songwriting (”….man in the power tie, who’s the biggest thief….”) che trova, poi, altre sagaci evidenze in Break The Curse (“... I keep a rabbit foot in my pocket, a penny in my shoes/gris-gris bag hangin’ on my post just to keep me safe from you/but it ain’t workin’...”), nel vivo senso della metafora di Better Off Alone (“...if logic was a train, you’d be on the wrong track/I gave you a penny for your thoughts, now I want my money back...”) e ancora in Love On The Line (“…was that something I said, something I did to make you turn away/well I'm sorry now, sorry then, I'm sorry for tomorrow just in case….”), così come nelle cupe, funeree note cantautorali di The Last Nail. In mezzo a tutta questa vivace scrittura, c’è spazio anche per tre cover tra le quali emergono, con immediatezza, l’ottima Blind Willie McTell, pescata da Dylan e un’insolita rivisitazione di Little Wing.

Come tradisce il nome stesso, Johnny è figlio di Kid Ramos. Educato e cresciuto a suon di blues, rock e rockabilly, già esordiente quale occasionale cantante nel disco più recente del padre, Johnny (che qui compare anche in veste di chitarrista) interseca la propria ugola con quella della giovane partner ottenendo un accattivante impasto che, in barba alla tenera età della coppia, restituisce la convincente lettura di un repertorio che pesca, principalmente, nell’ampio stagno delle antiche gemme.

Il contrasto tra la vocalità delicatamente acerba, efebica, sebbene evidentemente adusa al genere, unitamente alle atmosfere fifties della raccolta, svecchiano efficacemente brani altrimenti di remota memoria. Non sempre il canto è affrontato in coppia come nell’ottima rilettura di Let It Be Me. Lo strumento di Jaalene, dai riverberi frontali e gentilmente acerbi, squilla sicuro nell’intonazione, ma solitario sul Gee Whiz di Carla Thomas o ancora in Good Looking di Etta James. Mentre il virgulto Johnny s’impossessa abilmente del Teenage Cutie di Eddie Cochran come del Why Why Why di Doug Sahm.

In omaggio alle origini di entrambi, non mancano i richiami latini, particolarmente evidenti in Los Chucos Suaves e nella conclusiva One Summer Night, rimarcati dall’accordion di Jesus Cuevas.

Sebbene di formazione abbastanza recente la band, che proviene da una terra di blues come Torrita di Siena, non ha mancato di farsi notare in alcuni importanti contests come Obiettivo Bluesin’ 2016 ed Effetto Blues 2017. Del resto - si ascolti il disco -  le capacità ci sono tutte e, musicalmente parlando, trovano la loro macroscopica evidenza nel carattere e nella passionalità manifeste della chitarra di Danilo Staglianò, musicista dai solismi mai banali e ben calati nell’economia dei singoli brani. Come nella sua voce, non ancora così educata al canto e in via di maturazione, ma calda e ruggente il giusto per interpretare bene quel blues venato di rock che trova, per esempio, in Buddy Guy, Joe Bonamassa, Stevie Ray Vaughn alcuni palesi rimandi. Si discostano un po’ da questa traccia maestra giusto il brano omonimo, ballata acustica e intimista impreziosita dalla presenza, quale ospite, di Maurizio Pugno e la conclusiva To Leave This World. G.R.

Il cognome tradisce, non si sa quanto lontane, origini chicane, ma Herrera è californiano: chitarrista, cantante dal timbro strascicato e cantilenante, nonché autore la cui semplicità lirica fa il paio con una musicalità ruspante e di facile presa. Stilisticamente parlando, si trova in una zona franca tra la West Coast e Chicago, ma la sua chitarra, talvolta, parla una lingua che tradisce l’accento texano di Albert Collins. Registrato, per metà, presso gli studi di Kid Andersen, You Stole My Heart vede protagoniste due schiere diverse di musicisti, tra i quali riconosciamo e apprezziamo Bill Stuve al basso, già con George "Harmonica" Smith, Rod Piazza, William Clarke e altri eroi della costa. Spiccano, inoltre, l’armonica del parigino Dennis Depoitre, sebbene presente in soli due brani, ma soprattutto il vivace piano di Sid Morris, presenza costante e caratterizzante. Lo svolgimento, interamente elettrico del disco, si chiude poi con l’acustico e strumentale Bittersweet, tipico brano da “front porch”.

Come tutte le "barroom band", anche The Little Red Rooster BB non è stata, poi, così prolifica nel corso del tempo. Questo è solo il suo sesto album, ma la palestra della strada e dei piccoli palchi non ha mancato di dare tutti i suoi frutti: diligentemente raccolti, distillati e conservati per tutti, qui, “sotto chiave”. G.R.

Le variegate, abbondanti influenze rintracciabili tra queste tracce, l’estrema modernità del suono e gli occasionali cedimenti radiofonici (Ain’t That The Truth) potrebbero facilmente indurre alla sottostima di questo disco o del proprio autore derubricandoli, d’ufficio, al rango di furberie commerciali. In verità, e al netto di qualche oggettivo scivolone verso l’ovvio, questo è un disco un po’ più complesso di quanto non sembri a un primo, frettoloso ascolto. Sorretto da una presenza ritmica impattante, sotto il profilo strettamente stilistico, fa impazzire la bussola e sbandare l’orientamento. Ma se isoliamo un attimo, dal resto del contesto, l’elemento centrale che, per Matty T Wall chitarrista, altro non può essere che la chitarra, certo ci troviamo di fronte a un gran virtuoso dello strumento la cui abilità si può solo apprezzare, ben esemplificata - per dire - dal breve capriccio ginnico di Sophia’s Strutt. Poi, l’agile, precisissima slide del brano omonimo definisce marcatamente il perimetro di una perizia esecutiva rara, accostabile a quella di un Sonny Landreth. E se Matty T Wall aveva in testa gli AC/DC quando ha partorito il riff di Sidewinder o, non disponendo di uno strumento vocale all’altezza del compito, ha avuto la sfrontatezza di avventurarsi nella riproposizione di una scultura classica come Change Is Gonna Come, snaturandola con un tappeto d’archi e la sottrazione di quel senso di implorante urgenza aleggiante nell'originale, sono tutti peccati dai quali lo assolviamo soltanto per la provvidenziale intercessione della sua oggettiva bravura tecnica. G.R.

La chitarra liquida, di un liquido torbido e magmatico, pur personale sebbene talvolta intrisa di rimandi ora a Magic Sam, ad Albert King, Albert Collins, Son Seals o Hound Dog Taylor, delinea i tratti di un disco in cui la figura di questo strumento è certamente centrale e insistentemente esibita. Non inganni, dunque, la presenza dei fiati; non ci sono, qui, ammorbidimenti R&B o ammiccamenti ballerecci. Qui si striscia lungo i muri dei vicoli di Chicago, in quelle retrovie, umide, che conducono nella tana del malaffare, negli scantinati del vizio. E’ un blues intriso di live feel, di presa diretta, sudore, alcol e fumo, di quelle atmosfere vissute e appiccicose che dominavano i vecchi club della Windy City. E’ un tributo alle vecchie maniere, questo Unfiltered.

Con metà programma autografo, in buona parte strumentale, e metà omaggiante Magic Sam, Little Milton, Willie Dixon, persino un brano come Reconsider Baby di Lowell Fulson, da altri tipicamente riletto con accenti lievemente jazzy, subisce qui il medesimo trattamento genuino e ruspante di Filipowicz: via il filtro e si fuma! G.R.

Lo strumento di Jones, roco e monocorde, scuro nella sua più comune manifestazione, ricorda un po’ il recente Lee Fields. Anche musicalmente, alterna episodi schiettamente soul ad altri dal taglio più funk e con groove marcati e ossessivi. In questa direzione vanno altri due brani, tra i più riusciti e trascinanti: il funky blues minore Now I’m Gone e il singolo Make A Change.

La forza di queste tracce (come molte delle precedenti registrate da questo insolito blue-eyed soul man dell’Essex) risiede, oltre che nello strumento vocale, appena aspro e abraso, di Hunter stesso, nella seducente armonizzazione dei fiati tra loro e in come questi intercettino, nel sapiente gioco del sotteso contrappunto, la chitarra o le tastiere; piano o Hammond che sia. Esemplare eloquente, in tal senso, è già l’iniziale rumba I Don’t Wanna Be Without You, dai cui semplici incanti è difficile sottrarsi. Così, buona della restante parte del disco che, con l’esclusione di Blisters, ruspante blues strumentale per chitarra e orchestra, e di Don’t Let Pride Take You For A Ride, nulla più concede al ritmo serrandosi, invece, tra i confini della nostalgia e della riflessione. Magistrale, poi, How Long, esercizio gospel per voce, chitarra acustica e santificate armonizzazioni vocali a-la Persuasions.

Non sarà, forse, il suo disco più rappresentativo, ma ha il sottile potere di ammaliare, ad ogni ascolto di più. G.R.

Stilisticamente radicato nella tradizione più verace del blues, del soul e del gospel, ne ammoderna le linee adattandole a traghettare visioni contemporanee. Già l’iniziale Moved, apertura per chitarra, voce e armonica, mescola efficacemente il fango del Mississippi col sacro gospel di chiesa, ma l’apice del disco arriva col trittico centrale Freedom Suite: l’intensa implorazione a cappella Uncle’s Tom Prayer, moderna rilettura di un Bukka White in forma di sussurro gospel-rock e il più convenzionale soul-gospel Come Together, con citazioni tratte da Martin Luther King. Solo apparentemente avulse dal contesto, le due cover presenti: The Jean Genie di Bowie i cui versi minimalisti, ad esclusione del ritornello, vengono efficacemente restituiti come un mix sinistro di Tom Waits e Morphine e il classico di Nick Lowe Peace, Love and Understanding, squisito trionfo per pochi accordi e coro.  

Nata quasi per caso, l'idea di un intero disco di duetti ha preso forma ironizzando sul titolo del sagace 600 Pounds Of Heavenly Joy, registrato con Sugaray Rayford, dando quindi vita a un’operetta dove Kolassa, con la propria voce stagionata ed esperta, pare interpretare, non senza un pizzico di compiacimento, il ruolo del vecchio nonno che, con la partecipata collaborazione di tanti ipotetici nipoti, racconta un sacco di classiche e ben note storielle. Alcune vengono riproposte in una chiave interpretativa appena diversa: è il caso di Nobody Knows You When You’re Down And Out alla quale il violino di Alice Hasan conferisce un gradevole taglio country. Altre, invece, viaggiano più accostate al proprio spirito originale. Tra un repertorio di classici dove Willie Dixon e Tampa Red dominano la scena spunta, margherita tra le rose, la nervosa Outside Woman Blues mentre il suono dell’hammond di Chris Stephenson caratterizza, con toni schiettamente churchy, l’intero lavoro che raggiunge il proprio culmine nella conclusiva, corale Ain’t Nobody’s Business, riscritta e interpretata dall’intero seguito di ospiti assieme. G.R.

Jubilee segue a breve distanza Songs Of A Renegade, disco d'esordio, stilisticamente ben omogeneo quanto meno consistente e/o convincente riguardo ai contenuti musicali.